acid at home

piątek, 4 lipiec 2008

Kadzidełko


At the height of the "Flower Power" era of psychedelic music in the mid sixties, Strawberry Alarm Clock gave us one of classic rock's most memorable songs, 1967's, "Incense and Peppermints". Formerly known as The Sixpence, this California based group was originally made up of Ed King (lead guitar), Lee Freeman (rhythm guitar), Gary Lovetro (bass), Mark Weitz (organ), and Randy Seol (drums). 
The story of the song, "Incense and Peppermints," is a fascinating one. The recording was initially intended as a 'b-side' and the lead vocal is actually that of a friend of the band, 16 year old Greg Munford, who was just hanging around during the session. He was not even a regular band member, but ended up singing a tune that would rocket to number one in the United States and sell over a million copies. Despite this success, Munford never actually joined the group. 
Before recording their full-length debut album, the band added a second bass guitarist, George Bunnell, who was also an accomplished songwriter who's contributions enhanced a style that coupled hippie trappings with enchanting melodies and some imaginative instrumentation. 
In the summer of 1967, The Strawberry Alarm Clock contributed music to the film "Psych-Out", as well as appearing in it. The band toured the US with some of the biggest acts of the day, but poor management and dissention among the members started to tear it apart. Bassist Gary Lovetro left the band before they recorded their second album, "Wake Up It's Tomorrow", which also appeared in 1967. A second single release, "Tomorrow" made it to number 23 in January, 1968. 
Between 1968's album, "The World In A Seashell" and 1969's "Good Morning Starshine" the band went through a number of line-up changes which undermined their direction. To add to their problems, a manager who double-booked them on several occasions brought on many lawsuits. 
Although they remained together until 1971, the Strawberry Alarm Clock was unable to regain its early popularity and saw only limited success on the singles chart with "Sit With The Guru". 
Ed King later joined Lynyrd Skynyrd, while several of his former bandmates reunited during the 80s for a succession of "summer of love revisited" tours. Their memory would be brought to the forefront again in 1997 when "Incense And Peppermints" was featured in the first Austin Powers movie


Strawberry Alarm Clock -  Incense & Peppermints (1967)

 1. Incense And Peppermint   
  2. Rainy Day Mushroom Pillow   
  3. Birds In My Tree   
  4. Sit With The Guru   
  5. Tomorrow   
  6. Barefoot In Baltimore  
  7. Good Morning Starshine   
  8. Birdman Of Alkatrash   
  9. Strawberries Mean Love   
 10. Starting Out The Day

http://www.zshare.net/download/146870064dbd33e6/

środa, 2 lipiec 2008

Luciana Paluzzi







wtorek, 1 lipiec 2008

Other Half

Grupa the Other Half powstała w 1966 roku w Los Angeles z inicjatywy Randy Holdena, gitarzysty, który za kilka lat miał dołączyć do Blue Cheer. W rok założenia, kapela nagrywa swój pierwszy singiel: Mr. Pharmacist, jednak nie odnosi on żadnego sukcesu, choć po latach trafił on na kilka garażowych i psych-rockowych składanek. Z początku the Other Half grali klasycznego garage rocka, jednak z biegiem czasu styl ulegał zmianie i na prezentowanym dziś przeze mnie albumie, można usłyszeć porządną dawkę blues rocka i ciężkiej, porządnej psychodelii. W 1968 roku the Other Half rozpada się, a Holden zaczyna wspomnianą współpracę z Blue Cheer, a także rozkręca karierę solową. Gorąco polecam, szczególnie, że jest to materiał koncertowy.

It’s really rather fitting that The Other Half are best remembered today as the group that guitarist Randy Holden played in after LA punks The Sons of Adam and before San Fran heavy rockers Blue Cheer, because their sound basically represents a stylistic stepping stone between the respective styles of those two groups. The Other Half formed in Los Angeles in 1966, and quickly released their debut single, “Mr. Pharmacist,” on Gene Norman’s GNP Crescendo Records. While “Mr. Pharmacist” wasn’t a success for the group, its appearance on several garage compilations (including Rhino’s Nuggets box set) has made it the band’s best-known song, and deservedly so, as its aggressive, punk sound and drug-related lyrics make it a prototypical slice of 1966. By the time The Other Half released their self-titled album on the Acta label in 1968, however, styles had changed. Tough, blues-based garage rock was out, and sophisticated psychedelic sounds were in. This was especially true in the new rock mecca of San Francisco, where, around 1967, The Other Half seem to have relocated in search of greener musical pastures. But regardless of the prevailing Frisco trends, The Other Half stuck to the sound they knew best—balls-out garage rock—for their one and only LP. Sitting alongside other albums coming out of San Francisco in 1968—The Grateful Dead’s Anthem of the Sun, Jefferson Airplane’s Crown of Creation, and Quicksilver Messenger Service’s self-titled debut—The Other Half is definitely something of an odd bird, with misogyny and power chords favored over the usual social commentary and instrumental jams. The album opens with dubbed-in applause, which bookends the appropriately titled first track, “Introduction,” an indistinct, but sufficient, rock song. More applause introduces the album’s first real killer, a song Randy Holden brought with him from The Sons of Adam called “Feathered Fish.” Said to have been written by Arthur Lee, leader of the LA group Love, “Feathered Fish” makes for an impressive performance for The Other Half, whose version, with its shouted vocals and screaming guitar work, easily tops that of The Sons of Adam in sheer intensity. Following “Feathered Fish,” the fake concert format of the album is basically discarded, much to the relief of the listener. The next song, “Flight of the Dragon Lady,” is another solid rock number with some nice harmonica and good guitar feedback. The band slows and quiets down for the pleasant “Wonderful Day,” but revs up again for the gloriously noisy “I Need You,” which features some more great shouted vocals and intense guitar work. “Oz Lee Eaves Drops” and “Bad Day” are both competent rockers that feature some good guitar at times and maintain the album’s upbeat momentum. “Morning Fire” changes the pace a bit with its eastern-flavored guitar runs, which make it by far the most psychedelic cut on the album, and also one of the best. Unfortunately, the standard maintained through the album thus far is somewhat compromised by the final two tracks, “What Can I Do for You, First Half” and “What Can I Do for You, the Other Half.” Though these tracks include some decent lead guitar at times, they are otherwise pretty sparse and too long, and they thus end the album on a low note. And sadly, The Other Half’s career ended in much the same fashion. The album was a flop, due at least in part to its already-discussed stylistic obsolescence. Viewed outside of the trend-driven rock world of late-60s San Francisco, however, The Other Half stands up as a reasonably solid chunk of intense garage rock that almost predicts the heavy, guitar-based rock sound of the next band Randy Holden would play with, Blue Cheer.

the Other Half - the Other Half (1968)

 

1. Introduction
2. Feathered Fish
3. Flight Of The Dragon Lady
4. Wonderful Day
5. I Need You
6. Oz Lee Eaves Drops
7. Bad Day
8. Morning Fire
9. What Can I Do For You (First Half)
10. What Can I Do For You (Second Half)

http://www.zshare.net/download/14482446a54803cb/

środa, 18 czerwiec 2008

Breakout - Ogień (1973)


1.Nie zapalaj światła
2.Wielki ogień
3.Liście zabrał wiatr  
4.Na dnie mych oczu 
5.Masz to dziś
6.Czarno-czarny film  
7.Dałeś mi pierścień

http://www.zshare.net/download/13809792f695d04c/

wtorek, 17 czerwiec 2008

Good Ol' Bob

One of my favourite album and one of my favourite song ever! Simply Bob Dylan.

Oh, where have you been, my blue-eyed son?
Oh, where have you been, my darling young one?
I've stumbled on the side of twelve misty mountains,
I've walked and I've crawled on six crooked highways,
I've stepped in the middle of seven sad forests,
I've been out in front of a dozen dead oceans,
I've been ten thousand miles in the mouth of a graveyard,
And it's a hard, and it's a hard, it's a hard, and it's a hard,
And it's a hard rain's a-gonna fall.

Oh, what did you see, my blue-eyed son?
Oh, what did you see, my darling young one?
I saw a newborn baby with wild wolves all around it
I saw a highway of diamonds with nobody on it,
I saw a black branch with blood that kept drippin',
I saw a room full of men with their hammers a-bleedin',
I saw a white ladder all covered with water,
I saw ten thousand talkers whose tongues were all broken,
I saw guns and sharp swords in the hands of young children,
And it's a hard, and it's a hard, it's a hard, it's a hard,
And it's a hard rain's a-gonna fall.

And what did you hear, my blue-eyed son?
And what did you hear, my darling young one?
I heard the sound of a thunder, it roared out a warnin',
Heard the roar of a wave that could drown the whole world,
Heard one hundred drummers whose hands were a-blazin',
Heard ten thousand whisperin' and nobody listenin',
Heard one person starve, I heard many people laughin',
Heard the song of a poet who died in the gutter,
Heard the sound of a clown who cried in the alley,
And it's a hard, and it's a hard, it's a hard, it's a hard,
And it's a hard rain's a-gonna fall.

Oh, who did you meet, my blue-eyed son?
Who did you meet, my darling young one?
I met a young child beside a dead pony,
I met a white man who walked a black dog,
I met a young woman whose body was burning,
I met a young girl, she gave me a rainbow,
I met one man who was wounded in love,
I met another man who was wounded with hatred,
And it's a hard, it's a hard, it's a hard, it's a hard,
It's a hard rain's a-gonna fall.

Oh, what'll you do now, my blue-eyed son?
Oh, what'll you do now, my darling young one?
I'm a-goin' back out 'fore the rain starts a-fallin',
I'll walk to the depths of the deepest black forest,
Where the people are many and their hands are all empty,
Where the pellets of poison are flooding their waters,
Where the home in the valley meets the damp dirty prison,
Where the executioner's face is always well hidden,
Where hunger is ugly, where souls are forgotten,
Where black is the color, where none is the number,
And I'll tell it and think it and speak it and breathe it,
And reflect it from the mountain so all souls can see it,
Then I'll stand on the ocean until I start sinkin',
But I'll know my song well before I start singin',
And it's a hard, it's a hard, it's a hard, it's a hard,
It's a hard rain's a-gonna fall.

Bob Dylan - The Freewheelin' (1963)

1. Blowin' in the Wind 
2. Girl of the North Country 
3. Masters of War 
4. Down the Highway 
5. Bob Dylan's Blues 
6. A Hard Rain's A-Gonna Fall 
7. Don't Think Twice, It's All Right 
8. Bob Dylan's Dream 
9. Oxford Town 
10. Talkin' World War III Blues 
11. Corrina, Corrina 
12. Honey, Just Allow Me One More Chance 
13. I Shall Be Free 


http://www.zshare.net/download/1376985643444e46/

środa, 4 czerwiec 2008

Crystal Blues


Country Joe and The Fish, to amerykańska grupa powstała w 1966 roku i najbardziej znana jest z protestów przeciwko wojnie w Wietnamie, a swój żywot zakończyła w 1971. Nazwa wywodzi się od popularnego w USA pseudonimu Józefa Stalina (Country Joe) i cytatu z Mao Tse Tunga ("swim among the people as a fish"). Początków należy jednak szukać w roku 1965, gdy "Country Joe" McDonald (wokal) oraz Barry "The Fish" Melton (gitara) nagrali protest song "Teach-In" przeciwko wojnie w Wietnamie. Rok później dołączają do nich: Gary "Chicken" Hirsh (perkusja), David Cohen (klawisze) i Bruce Barthol (gitara basowa). Za dwa lata skład miał ulec zmianie i na słynnym Woodstock 69 zespół wystąpił w składzie: Greg 'Duke' Dewey (perkusja), Mark Kapner (klawisze), Doug Metzler (gitara basowa).
W roku 1967 nagrywają debiutancki album "Electric Music for the Mind and Body", który zaprowadza ich na 39 miejsce na listach przebojów, jednak największa popularnością cieszył sie ich drugi studyjny krążek "I-Feel-Like-I'm-Fixin'-to-Die". Doszedł on na 23 miejsce.
Country Joe & The Fish regularnie grywali w najlepszych salach koncertowych w USA, takich jak Filmore West, Filmore East, czy Avalon Ballroom, a na scenie stawali obok takich gigantów, jak Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead, czy Led Zeppelin. Brali również udział w najważniejszych festiwalach epoki: w Monterey 67 i na wspomnianym już Woodstock 69.
Prezentowany dziś przeze mnie album pochodzi z 1969 roku i jest trzecim z kolei. Najlepszym, wg. mnie utworem jest Crystal Blues, z sekcją dęta.

Dyskografia:
Electric Music for the Mind and Body (September 1967)
I-Feel-Like-I'm-Fixin'-to-Die (1967)
Together (1968)
Here We Are Again (1969)
CJ Fish (1970)
Reunion (1977)
Live! Fillmore West 1969 (1996)



Country Joe and the Fish was a rock band most widely known for musical protests against the Vietnam War, from 1966 to 1971.
The group's name is derived from leftist politics; "Country Joe" was a popular name for Joseph Stalin in the 1940s, while "the fish" refers to Mao Tse Dung's statement that the true revolutionary must "swim among the people as a fish." The group began with the nucleus of "Country Joe" McDonald (lead vocals) and Barry "The Fish" Melton (lead guitar), recording and performing for the "Teach-In" protests against the Vietnam War in 1965. Co-founders McDonald and Melton added musicians as needed over the life of the band. By 1967, the group included Gary "Chicken" Hirsh (drums) (born in 1940, in Chicago, Illinois); David Cohen (keyboards) (born 8 April 1942, in Brooklyn, New York) and Bruce Barthol (bass) (born 11 November 1947 in Berkeley, California). The 1967 lineup lasted only two years, and by the 1969 music festival Woodstock, the lineup included Greg 'Duke' Dewey (drums), Mark Kapner (keyboards) and Doug Metzler (bass).
The band came to perform an early example of psychedelic music. The LP "Electric Music for the Mind and Body" was very influential on early FM Radio in 1967. Long sets of psychedelic tunes like "Section 43", "Bass Strings", "Not So Sweet Martha Lorraine", "Janis" (for and about Janis Joplin) and "Grace" (for singer Grace Slick) (all released on Vanguard Records) were often played back to back on KSAN and KMPX in San Francisco and progressive rock stations around the country. Their first album charted at #39 on September 23, 1967, their 2nd album at #67 on February 3, 1968, and their third at #23 on August 31, 1968. Country Joe and The Fish were regulars at Fillmore West and East and Chet Helms' Avalon Ballroom. They were billed with such groups as Jefferson Airplane, Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, Led Zeppelin, and Iron Butterfly. They played at the Monterey Pop Festival in 1967 and at the Woodstock Festival in 1969.

Discography:
Electric Music for the Mind and Body (September 1967)
I-Feel-Like-I'm-Fixin'-to-Die (1967)
Together (1968)
Here We Are Again (1969)
CJ Fish (1970)
Reunion (1977)
Live! Fillmore West 1969 (1996)

Country Joe and The Fish - Here We Are Again (1969)


1. Here I Go Again
2. Donovan's Reef
3. It's So Nice To Have Love
4. Baby, You'Re Driving Me Crazy
5. Crystal Blues
6. For No Reason
7. I'Ll Survive
8. Maria
9. My Girl
10. Doctor Of Electricity

http://www.zshare.net/download/13071298fff2245a/

wtorek, 3 czerwiec 2008

R.I.P. BO DIDDLEY



Bo Diddley buys baby diamond ring
if that diamond ring don't shine
he's gonna take it to a private eye
if that private I can't see
even not take a ring from me

Bo Diddley caught a nanny goat
to make his pretty baby a Sunday coat
Bo Diddley called a bear cat
making pretty baby on sunday hat

Won't you come to my house a black cat bone
to take my baby all away from home
Brother Bo just where you been?
up your house and gone again
Bo Diddley
Bo Diddley have you heard
my pretty baby she was a bird



http://www.zshare.net/audio/13055585f3d81d47/

http://www.zshare.net/audio/13058008d247e46f/

poniedziałek, 2 czerwiec 2008

Mylène Demongeot
















Collegium Musicum


Grupa Collegium Musicum została założona w 1970 roku przez Mariana Varge - wirtuoza instrumentów klawiszowych. Był to zarazem jedyny członek zespołu, który pojawił się na wszystkich albumach. Sam Varga uznawany był w owym czasie przez krytyków całego świata, za najwybitniejszą postać współczesnej Czechosłowackiej sceny pop-rockowej. Myląca i jednocześnie krzywdząca artystę była owa 'pop' klasyfikacja, gdyż muzyka która tworzył wraz z pozostałymi członkami Collegium Musicum mało wspólnego miała z popem. Twórczość tej supergrupy, która była porównywana miedzy innymi do takich gigantów jak Emerson, Lake and Palmer, to klasyczny rock progresywny w najczystszej postaci. W latach siedemdziesiątych gatunek ten rozwijał się bardzo dynamicznie - zwłaszcza w krajach socjalistycznych, gdzie muzyka nabierała dodatkowego znaczenia. Wydawać by się mogło, iż Collegium było kolejnym, typowym zespołem na progresywnym podwórku, jednakże w odróżnieniu od zdecydowanej większości grup reprezentujących ten nurt , których fundamentem była gitara, w CM podstawą zawsze były instrumenty klawiszowe. Choć z zespołem współpracowało wielu wybitnych instrumentalistów, takich jak chociażby gitarzysta Radim Hladik z Modrego Efektu, klawisze zawsze były głównym narzędziem twórczym, co nie przeszkadzało rzecz jasna współpracować liderowi grupy z innymi muzykami.



Początkowo zespół tworzyli: Marian Varga - instrumenty klawiszowe, Fedor Freso - gitara basowa, śpiew, Dusan Hajek - instrumenty perkusyjne, Rastislav Vacho - gitara. W składzie tym Collegium Musicum nagrało swój pierwszy album zatytułowany po prostu Collegium Musicum. Rok później (1971) grupa nawiązała współpracę ze słynna firmą fonograficzną Opus. Doszło wtedy do zmian personalnych - Vacho, został zastąpiony przez Frantiska Griglaka (gitara, mandolina, śpiew), pojawił się też Pavol Hammel (gitara, śpiew), który współpracował już wcześniej z Varga w zespole Prudy. W tym samym roku światło dzienne ujrzał słynny album Konvergencie, który później wydany został w wersji dwupłytowej. W 1972 z zespołu odchodzi Griglak, który zakłada swoją grupe - Fermata. Hammel z Varga, rozpoczynają pracę nad kolejnym albumem.
Zelena Posta, bo o niej mowa, stała się milowym kamieniem czeskosłowackiej muzyki rockowej. Na płycie tej, gościnnie, w kilku utworach, pojawia się legendarny Radim Hladik - który współtworzy wówczas najsłynniejszy skład Collegium. W kolejnych latach, grupa nawiązuje współpracę z Czeskosłowackim Radiem (1973) w tym samym czasie, po odejściu Fedora Freso trwaja poszukiwania wokalisty. Głównym kandydatem do objęcia tej posady staje się Miroslav Zbirka, jednak na planach się w tym wypadku kończy. Dalszy etap to kolejne rozstania lecz również powroty, skład nieustannie się zmienia, co nie przeszkadza muzykom nagrywać kolejnych doskonałych płyt (1975 Marian Varga a Collegium Musicum, 1976 Na Druhom Programe SNA, 1977 Continuo). W 1977 duet Varga-Hammol napisał musical Cyrano z predmestia, który stał się teatralnym wydarzeniem roku. Kryzys przynosi rok 1979 kiedy to nakładem Opusu ukazuje się album On a Ona. Materiał na nim zawarty okazuje się być najmniej pasującym do wizji muzyków. Kryzys twórczy idzie w parze z kryzysem personalnym, członkowie zespołu rozstają się, zasilając jednocześnie inne zespoły (Fermata, Jazz Q). Sam lider, Marian Varga z powodu coraz większych problemów z alkoholizmem, rozpoczyna leczenie. Impas zostaje chwilowo przełamany kilka lat pózniej, gdy Varga wydaje dwupłytowy album Divergencie - z ówczesną elita muzyków. Następnie zespół rozpada się definitywnie. Varga tworzy solowe projekty, współpracując od czasu do czasu z muzykami z dawnego okresu, jednakże wydane wtedy płyty nie sa już utożsamiane z Collegium Musicum. Lata dziewięćdziesiąte przynoszą na krótko powrót legendy, któremu towarzyszy seria koncertów upamiętnionych na kilku kolejnych albumach. Okres ten jest wyjątkowo niestabilny - grupa co chwile pojawia się na muzycznej scenie, by za moment z niej zniknąć. Muzycy pojawiają się w różnych konfiguracjach pod różnymi szyldami jednak nie dochodzi do nagrania żadnego konkretnego materiału studyjnego. W roku 2002 pojawiają się informacje mówiące o kolejnym, rzekomym powrocie supergrupy Collegium Musicum.
http://www.kns.us.edu.pl/artykuly/muzyka/collegiummusicum.html



This band is an historical band in Czechoslovakia. They was active from 1971 until 1981 with 6 releases plus one live lp. Their style is like ELP with Wakeman, The Nice and clear classical influences. The band was composed by vocals, guitars (Ludovít Nosko); keyboards (Marián Varga); guitars (Karel Witz); bass (Fedor Freso) and drums (Dusan Hájek).
The lp always contain long tracks all composed by Varga that give to compositions solid classical inspirations an example is "Hommage a J.S. Bach" or "Concerto in D" and other tracks, the guitar have much space supported by superb keyboards (hammond, minimoog, piano, spinetta) base and solos. I support people who think this is one of the best east Europe bands of ever.

Collegium Musicum - Marian Varga & Collegium Musicum LIVE (1975)


1. Mikrokozmos
2. Nech zije clovek ~ Long live man
3. Preludium in C Dur (a cast z baletu Romeo a Julia)
4. Hudba k vodometu C.1 ~ Music to the fountain no
5. Nesmierny smutok hotelovej izby ~ An immense sadness of Ti

http://rapidshare.com/files/119053018/MV_CM_1975.zip.html

Thanks for MRAKOPLAS

poniedziałek, 19 maj 2008

Polisz jazz


Okres świetności Krzysztofa Komedy rozpoczął się od I Festiwalu Jazzowego w Sopocie w sierpniu 1956 roku, jednakże jego związki z muzyką były o wiele starsze. Urodzony w Poznaniu w 1931 roku, od dzieciństwa pobierał lekcje gry na fortepianie i jego marzeniem było zostać znanym wirtuozem. W wieku ośmiu lat przyjęty został do konserwatorium poznańskiego. Niestety wojna pokrzyżowała jego plany. Przez lata wojny i później, do 1950 roku zgłębiał teorię muzyki i grę na fortepianie, jednak świadom był straty minionych sześciu lat. Po skończeniu szkoły średniej musiał wybrać kierunek dalszych studiów. Chciał mieć fascynujący zawód, więc postanowił zostać lekarzem. Jeszcze przed rozpoczęciem studiów interesował się muzyką rozrywkową i taneczną. W szkole średniej w Ostrowie Wielkopolskim spotkał Witolda Kujawskiego, absolwenta tej samej szkoły, który był już dobrze znanym swingującym basistą. To właśnie Kujawski wprowadził Komedę-Trzcińskiego do jazzu i zabrał go do Krakowa. Był to romantyczny okres polskiego jazzu, nazywany „okresem katakumb”. Nie było wtedy jeszcze publiczności koncertowej. W legendarnym, małym mieszkaniu Witolda w Krakowie, odbywały się jam-sessions z udziałem takich słynnych muzyków, jak Matuszkiewicz, Borowiec, Walasek oraz sam Kujawski.
Kilka lat później stało się jasne, dlaczego Komeda był zafascynowany był be-bopem wykonanywanym przez Andrzeja Trzaskowskiego. Fascynacja jazzem i przyjaźń ze znanymi muzykami wzmocniły związki Krzysztofa Trzcińskiego z muzyką, mimo iż z zawodu był lekarzem. Przez jakiś czas współpracował z pierwszym, powojennym, pionierskim zespołem jazzowym - krakowsko-łódzką grupą "Melomani", której filarami byli Matuszkiewicz, Trzaskowski i Kujawski. Później grał z różnymi poznańskimi grupami rozrywkowymi. Jedną z nich była grupa Jerzego Grzewińskiego, która wkrótce przekształciła się w zespół dixielandowy. Komeda pojawił się razem z Grzewińskim na I Festiwalu Jazzowym w Sopocie, lecz sukces odniósł występując z „Ptaszynem” Wróblewskim i Milianem. Powód tego był prosty - dixieland nie spełniał już wówczas oczekiwań Komedy. Fascynowała go przede wszystkim muzyka nowoczesna. Dzięki tej pasji powstał właśnie "Komeda Sextet". Po raz pierwszy Krzysztof Trzciński użył pseudonimu „Komeda” gdy pracował w klinice laryngologicznej i chciał ukryć swoją fascynację jazzem przed współpracownikami. Jazz dopiero rozpoczynał swoją walkę o obywatelstwo w Polsce i wciąż postrzegany był jako tania, podejrzana muzyka z nocnych klubów. "Komeda Sextet" stał się pierwszą polską grupą jazzową grającą muzykę nowoczesną, a jego nowatorskie wykonania utorowały drogę dla jazzu w Polsce. Wraz z saksofonistą Janem „Ptaszynem” Wróblewskim i wibrafonistą Jerzym Milianem, „Sextet” grał jazz nawiązujący do tradycji europejskich i będący syntezą dwóch wówczas najpopularniejszych grup - The Modern Jazz Quartet i The Gerry Mulligan Quartet.

W ciągu trzynastu lat, które upłynęły od Festiwalu Sopockiego, osobowość Krzysztofa Trzcińskiego pozostała niezmieniona. Dojrzała tylko, wykrystalizowała się, przekształciła się w poezję. Ponieważ Krzysztof Komeda był przede wszystkim wiecznie poszukującym poetą, potrafił odnaleźć sposoby indywidualnej ekspresji jazzu w sobie, w słowiańskim liryzmie i w tradycjach polskiej muzyki. Był mistrzem w kreowaniu poetyckiej atmosfery i wiedział lepiej niż inni, jak zdobyć publiczność. Nie można nie rozpoznać jego muzyki - ma ona swoje wyjątkowe brzmienie. Komeda stworzył całkiem nowy klimat. Proces doskonalenia i wzbogacania warsztatu artystycznego trwał wiele lat.
W latach 1956 - 1962 Komeda wraz ze swoją grupą brał udział w kolejnych krajowych festiwalach, przygotowując zawsze bardzo ambitne programy. Były to także lata pierwszych sukcesów zagranicznych - w Moskwie, Grenoble i Paryżu. Powstało wtedy interesujące przedstawienie „Jazz i poezja” pokazane na Jazz Jamboree'60, a później w Filharmonii Warszawskiej. Rozpoczęła się również przygoda Krzysztofa Trzcińskiego z muzyką filmową. Powstały utwory do filmów Polańskiego „Nóż w wodzie”, Wajdy „Niewinni czarodzieje”, Nasfetera „Mój tato” oraz Morgensterna „Do widzenia do jutra”. Okres, który w artystycznej biografii Komedy może być nazywany okresem dojrzewania i doskonalenia jego własnego muzycznego języka, był ukoronowany „Etiudami baletowymi” wykonanymi na Jazz Jamboree'62. Pomimo tego, iż przyjęcie „Etiud” przez krajową krytykę było raczej chłodne, otworzyły one wrota Europy przed Krzysztofem Komedą-Trzcińskim.
Wiosną 1960 roku wyjechał po raz pierwszy do Skandynawii i później powracał tam co roku. Wszystkie jego występy w sztokholmskiej „Gyllene Cirkeln” i kopenhaskim „Jazzhus Montmartre”, które gościły najbardziej znane gwiazdy amerykańskiego jazzu, okazały się prawdziwym sukcesem. Firma fonograficzna „Metronome” nagrała longplay z jego muzyką wykonywaną przez międzynarodowy kwintet - Allan Botschinsky - trąbka, Jan „Ptaszyn” Wróblewski - saksofon tenorowy, Krzysztof Komeda - fortepian, Roman „Gucio” Dyląg - kontrabas, Rune Carlsson - perkusja. Słynny reżyser duński Hennig Carlsen zamówił u niego muzykę do swoich filmów: „Hvad med os”, „Kattorna" i „Sult” (oparty na powieści Knuta Hamsuna). Po sukcesach skandynawskich nastąpiły dalsze - na festiwalach jazzowych w Pradze, Bled i Koenigsbergu, podczas tourne po Bułgarii i obydwu państwach niemieckich. W maju 1967 "Komeda Quartet" (Tomasz Stańko - trąbka, Roman Dyląg - kontrabas, Rune Carlsson - perkusja, a ponadto Zbigniew Namysłowski - sax) nagrał „Lirik und Jazz” dla zachodnioniemieckiej wytwórni „Electrola”.
W styczniu 1968 roku Krzysztof Komeda wyjechał do Stanów Zjednoczonych, gdzie pracował nad muzyką do filmów: Polańskiego „Dziecko Rosemary” i Kulika „The Riot”. W grudniu, w Los Angeles uległ tragicznemu wypadkowi. Po przewiezieniu przez żonę Zofię do kraju, zmarł 23 kwietnia 1969 roku i pochowany został w Warszawie na Powązkach.

Krzysztof Komeda 1931-1969


Christopher Komeda's big time began back at the time of the I Sopot Jazz Festival in August 1956, but his ties with music were much older. Born in Poznan in 1931 he took piano lessons since his childood and his first dreams were to be a famous virtuoso. They were no daydreams for at the age of eight he started at the Poznan conservatory. But the war upset his plans. During the war and later, until 1950 he continued to study the piano and theory but he was aware the six years were actually lost. Having graduated from secondary school he had to make up his mind as to his further studies. He wanted to have an exciting job and so he became an M. D. He got interested in entertainment and dance music before starting his studies. He went to secondary school at Ostrow Wielkopolski and there he met Witold Kujawski, a graduate of the same school who was already a well known swinging bass-player. It was Kujawski who initiated Komeda-Trzcinski into jazz. He took him to Cracow. It was the romantic period of Polish jazz, called 'the catacomb period'. There were no concert jazz audiences then. In Witold's legendary little room in Cracow, jam-sessions were held with the participation of such renowned musicians as Matuszkiewicz, Borowiec, Walasek and the host himself.
A couple of years later it became clear why Komeda was the most impressed by the be-bop performance of a very young musician Andrzej Trzaskowski. His fascination with jazz and the friendship with leading musicians strengthened Christopher Komeda's connections with music in spite of his medical job. For some time he co-operated with the Polish post-war jazz pioneer combo, the Cracow-Lodz 'Melomani' where Matuszkiewicz, Trzaskowski and Kujawski were the pillars. Later he played with various Poznan entertainment bands. One of them was Jerzy Grzewinski's group which soon changed into a dixieland band. Komeda appeared together with Grzewinski at the I Sopot Festival. But he was a great success at the festival not with him but with 'Ptaszyn' Wroblewski and Milian. The reason was a simple one - dixieland wasn't enough for him any more. Modern music fascinated him above all. And from this passion the 'Komeda Sextet' came into being. He first used his pseudonym 'Komeda' when he was working at an Ear, Nose and Throat clinic, to hide his music passion from his colleagues. Jazz only just started fighting for its rights in Poland. It was still regarded as a cheap, suspect, night-club music. 'Komeda Sextet' became the first Polish jazz group playing exclusively modern music and its spectacular performance on the festival stage cleared the triumphant way for jazz in Poland. Together with baritone saxophonist Jan 'Ptaszyn' Wroblewski and Jerzy Milian on vibes the sextet played cool jazz which referred to European jazz traditions and was a synthesis of the two most popular combos of that time: The Modern Jazz Quartet and the Gerry Mulligan Quartet.

During the thirteen years that passed since the I Festival, forms dominating Komeda's means of expression changed, but the main feature of his personality remained unchanged in its substance. It only matured, grew and crystallised. It turned into poetry. Because in whatever he did, Christopher Komeda was above all a restless, ever searching poet. He found the individual expression of jazz in himself, in Slavic lyricism and in the traditions of Polish music. He was a master of a poetic atmosphere and knew how to conquer audiences better than most jazzmen did. It is impossible not to recognise his music: it has a unique sound. He created a new climate. The process of crystallising, enriching and refining them did not take a year or two, it took years. From 1956 to 1962 Komeda improved his piano and appeared at consecutive domestic festivals with his own band, always with an ambitious programme. Those were also the years of his Moscow, Grenoble and Paris successes - his first abroad. He was also the author of the interesting 'Jazz and Poetry' show presented at Jazz Jamboree'60 and later at the Warsaw Philharmonic Hall, and started writing movie scores: Polanski's 'Knife in the Water', Wajda's 'Innocent Sorcerers', Nasfeter's 'My Dad' and Morgenstern's 'See You Tomorrow'.
The period that in Komeda's artistic biography could be called his period of maturing and building a musical language of his own was crowned by 'Ballet Etudes' performed at Jazz Jamboree'62. The domestic response to 'Etudes' was less than enthusiastic but it opened the gates of Europe to Christopher Komeda. In spring 1960 he arrived in Scandinavia and then came back every year. All his performances at the Stockholm 'Gyllene Cirkeln' and the Copenhagen 'Jazzhus Montmartre' clubs which had hosted America's most prominent jazz stars, were a genuine success. The 'Metronome' recording company issued an LP with his compositions played by an international quintet: Allan Botschinsky - trumpet, Jan 'Ptaszyn' Wroblewski - tenor sax, Christopher Komeda - piano, Roman 'Gucio' Dylag - bass, Rune Carlsson - drums. Renowned Danish film director Hennig Carlsen commissioned him to write and record music for three of his pictures: 'Hvad med os', 'Kattorna' and 'Sult' (based on Knut Hamsun's novel). Scandinavian successes were followed by other ones: at jazz festivals in Prague, Bled and Koenigsberg, during a tour of Bulgaria and both German republics. In May 1967 'Komeda Quartet' (Tomasz Stanko - trumpet, Roman Dylag - bass, Rune Carlsson - drums, plus Zbigniew Namyslowski - sax) recorded 'Lirik und Jazz' for the West German 'Electrola' record company.
In January 1968 he went to the USA, where he worked on movie score to Polanski's 'Rosemary's Baby' and Kulik's 'The Riot'. In December, in Los Angeles he had a tragic accident. Brought to Poland by his wife he died on April 23rd, 1969 and was buried in Powazki Cemetery in Warsaw.

Krzysztof Komeda - Astigmatic (1965)


1. Astigmatic
2. Kattorna
3. Svantetic

Krzysztof Komeda - piano
Zbigniew Namysłowski - alto sax
Tomasz Stańko - trumpet
Guenter Lenz - bass
Rune Carlsson - drums

http://www.zshare.net/download/12260814ecbc6b83/